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The Soundtracks of Eternity

Bron: Mojo, july 2017
Auteur: A.Male

Popol Vuh - The soundtracks of eternity

Florian Fricke never had to worry about who bought his music. Born in 1944 into an independently wealthy family on the Bavarian island town of Lindau, as a teenager he studied piano at Freiburg and Munich conservatoires, a pupil of Rudolf Hindemith (brother of German composer Paul Hindemith), before dropping out to work as music and film critic for Der Spiegel, where he befriended the young New German Cinema director Werner Herzog.
Fascinated by the rituals of worship, Fricke travelled to Africa, the Middle East, India and Nepal, studying Tibetan choral music, and numerous myths and folk tales. Caught up in 1968's mood of student rebellion and spiritual revolution, Fricke bought a gigantic Moog III for 800,000 DM, and formed Popol Vuh. Named after the holy book of Guatemala's K'iche' people, and inspired by Mozart, early polyphony and the cosmic jazz of Pharaoh Sanders, Fricke's group set out to make a new kind of devotional music, eventually ditching the Moog in the belief that more 'natural' instruments - piano, oboe, harpsichords, electric guitar, and the orphic soprano of Korean singer Djong Yun - would be better suited to these non-denominational sacred sounds. From 1972 onwards Fricke recorded a series of sublime albums inspired by Christian imagery and effectively became Herzog's in-house composer, lending his films a sublime euphoria that often worked in eerie contrast to the hellish misery endured by the films' protagonists.
Yet however much the creatively free Fricke was invested in his music, he seemed to care little for its afterlife. Master tapes were lost, and certain exquisite pieces recorded for Herzog's films never appeared on record. Since Fricke died in 2001, things have got little better and the Popol Vuh catalogue is in desperate need of overhaul. With that in mind, and in the spirit of Popol Vuh, this is a guide to how things currently are, and a prayer for how they might be in the future.

10 HERZ AUS GLAS
You Say: "One of Popol Vuh's more accessible works." - Kevin Fallon, via e-mail
Subtitled Singet, denn der Gesang vertreibt die Wölfe (Sing, for song drives away the wolves), and featuring just two tracks from the Herzog film of the same name - a production where most of the actors performed under hypnosis - Herz Aus Glas is one of Fricke's finest hybrids of eastern and western sounds. The first album without Djong Yun's vocals, it's a purely instrumental affair, moving from ethereal Indian folk to soaring metal heaviosity (especially on the incredible Hüter Der Schwelle), and, at times, as on tracks like Blätter Aus Dem Buch Der Kühnheit, interweaving the two sounds perfectly, twin worlds linked by a constant ever-present unifying drone.

9 DAS HOHELIED SALOMOS
You Say: "A suitably devotional treatment of its subject." - Alex Schafer, via e-mail
A new cycle in Popol Vuh's sound, with the addition of Amon Düül's young drummer and guitarist Daniel Fichelscher, Das Hohelied Salomos is something approaching a masterpiece. With her angelic vocals soaring over the delicate detailing of Fricke's piano, Fichelscher's keening guitar swirls, Alois Gromer's dreamy sitar, Shana Kumar's soft tabla, and the sound of distant church bells, Djong Yun brings to life the Hebrew canticles from the Song Of Solomon. It's a blissful, dreamlike trip, marred only by the crashing cymbals of Fichelscher's drums, which seem entirely at odds with the ecstatic experience on offer.

8 DIE NACHT DER SEELE - TANTRIC SONGS
You Say: "It's World Music, but which world was he on?" - Eric Martinez, via e-mail
Often dismissed as 'new age', mainly by those who lamented Fricke's transition into a largely acoustic set-up, Die Nacht Der Seele (The Night Of The Soul) is actually a strange and beautiful album, a journey from darkness to light, and one of his most successful attempts to evoke a new kind of ritualistic music. Drawing on north Indian classical arrangements, Tibetan chanting, and Arcadian folk instrumentation, while returning to the double female harmonies of Djong Yun and Renate Knaup, Die Nacht Der Seele plays like the companion LP to Letzte Tage - Letzte Nächte, the bright new dawn after the end of the world.

7 NOSFERATU, THE VAMPYRE
You Say: "Brüder Des Schattens - Söhne Des Lichts is their defining song." - Phil Castilglione, via e-mail
A complicated one. Fricke's soundtrack to Werner Herzog's 1979 remake of F.W. Murnau's 1922 horror classic was originally released across two 1978 albums. The original composed music featured on Brüder Des Schattens - Söhne Des Lichts while On The Way To A Little Way included older scarier electronic pieces, requested by Herzog, that Fricke unearthed from a box labelled "angst music". The SPV CD reissue is a mishmash, featuring edited versions of both LPs, but a recent (noisy) double vinyl reissue from Spanish label Wah Wah has both scores, capturing Fricke at a point of career transition between high gothic nightmare and sylvan dream-state.

6 EINSJÄGER & SIEBENJÄGER
You Say: "Melodic, meditative and beautiful... a great album." - Tom Partington, via e-mail
"It's our expression of jubilation," said Fricke of this, the final album in his religious books cycle. With guitarist Conny Veit now gone, this interpretation of Greek and Mayan myths (the title translates as 'one hunter and seven hunters') was effectively a duo collaboration between Fricke and guitarist/percussionist Daniel Fichelscher, constructed largely from looped guitar and keyboard improvisations, with only occasional contributions from Djong Yun. If it suffers from Fichelscher's over-reliance on crashing-cymbal percussion, it's well worth seeking out, if only to hear the sidelong title track, a free-flowing twenty-minute space blues of soaring prog majesty.

5 AGUIRRE
You Say: "Takes you to that special Popol place where words fail." - Barry Gilbert, via e-mail
Recorded between 1972 and 1974, Aguirre confusingly includes just two songs from Fricke's original score to Werner Herzog's 1972 film Aguirre: The Wrath Of God. Fortunately, those tracks are two of Fricke's finest, in which a "choir organ" or Orchestrum (a vocal variant on the mellotron) adds ghostly banks of celestial voices to buzzing waves of lonesome electronics, like some uncanny futuristic reimagining of heaven. More confusingly, some reissues replaced side two's sidelong Moog and voices exploration, Vergegenwärtigung, with later pieces. Although audibly mastered from vinyl, the SPV reissue restores the original tracklisting and adds Aguirre III, an extended version of the theme with tribal drums.

4 SELIGPREISUNG
You Say: "Comes back to Earth, but it still looks to heaven." - Derek Coleman, via e-mail
Their fourth long-player, and the first in Fricke's holy books trilogy, Seligpreisung (AKA Beatitudes) is a gentle, meditative album, with Fricke's lonesome piano, Conny Veit's languid Floydian guitar and the forlorn dancing oboe of Robert Eliscu spinning gossamer pastoral patterns around Fricke's own compelling vocal drone. A more spare and simple affair than the previous year's Hosianna Mantra and, as such, some listeners declared themselves underwhelmed. But if Fricke himself later expressed regret that he sang on the album (Djong Yun was away touring), his melancholy tones lend the album an interior sadness that perfectly complements the music's swirling, mesmeric power.

3 LETZTE TAGE - LETZTE NÄCHTE
You Say: "Florian Fricke could rock as well." - Paul Fenn, via e-mail
Translating as Last Days - Last Night, this mass for the end of the world is undoubtedly the heaviest album Popol Vuh recorded. Defined by the majestic multitracked acid guitar and pounding drums of Amon Düül's Daniel Fichelscher, the unnerving hex-folk harmonies of Djong Yun and Renate Knaup - the darkness against the light of Fricke's piano and Al Gromer's sitar - it's an album that suggests nothing less than a Middle Eastern Black Sabbath joining Macbeth's witches in some deranged end-of-days fertility dance. Sadly, Letzte Tage - Letzte Nächte suffers in all reissued digital versions from an inexcusably muddy sound that inevitably reduces the full apocalyptic impact.

2 IN DEN GÄRTEN PHAROAS
You Say: "Makes you wish he'd stayed on the electronic path." - Christian Lefebvre, via e-mail
Florian Fricke once said his musical goal was to "find an instrument that could express a human voice by electronic means." In Den Gärten Pharoas captures that voice. A mesh of distant African drumming, haunted electronic choirs, and spectral Moog waves, the title track sounds like a broadcast from inner space, alternating between hymn and distress call. The side-long second track Vuh blends electronic choir with earth-shaking threnodic drones played on the medieval cathedral organ in Baumburg Abbey in southern Germany, creating a work of deep mystical power. Get the SPV reissue for Kha-White Structures 2, ten minimalist minutes of proto-Mille Plateaux electronica.

1 HOSIANNA MANTRA
You Say: "A meditation masterpiece... you may not come back." - Adrian Townley, via e-mail
Described by Florian Fricke as "a mass for your own heart", and conceived in the belief that "all religions are the same", Popol Vuh's first non-electronic release was an attempt to translate the depth of meaning in religious texts into a form of musical expression. Recorded with Conny Veit on weeping electric guitar, Robert Eliscu's mournful oboe, the droning tamboura of Klaus Wiese, and Fritz Sonnleitner's ascending violin against Fricke's cascading piano and harpsichord, and Djong Yun providing the heavenly vocals, this sonic search for sanctity slyly references Dvorák's New World Symphony in a quest for the divine sounds of spiritual contemplation.

NOW DIG THIS
Soul Jazz's Kailash is the essential companion to Popol Vuh's studio LPs, a 2-CD and DVD collection of Fricke's solo piano studies (many representing motifs that recurred across Popol Vuh's albums), plus 1995 Tibetan travelogue (and accompanying soundtrack) Kailash, co-directed by Fricke with bandmate Frank Fiedler. Fricke's '80s LPs Agape-Agape and Spirit Of Peace are also underrated. Fans of the Herzog soundtracks should seek out 1974's The Great Ecstasy Of The Woodcarver Steiner, about German ski jumper and woodcarver Walter Steiner, which contains one of Popol Vuh's loveliest scores. A 2014 Popol Vuh Facebook post said tapes had been located, but no release was forthcoming.

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King of the Mountain: Popol Vuh - Kailash

Bron: Mojo, april 2015
Auteur: I.Harrison

King of the Mountain: Popol Vuh - Kailash

The late Florian Fricke's solo piano adventures, 1972-89, plus Himalayan travelogue OST and DVD.

Florian Fricke's Popol Vuh are widely known for the strangely moral soundtracks he recorded for the films of Werner Herzog in the '70s and '80s, several of which starred the unhinged evil-doer that was Klaus Kinski. The latter pairing made punishing celluloid examinations of obsession and insanity, including Fitzcarraldo and Aguirre: Wrath Of God: in the creative partnership, Fricke made a strange third man.
A Bavarian-born, conservatory-trained pianist of independent means, the well-travelled Fricke's post-hippy embrace of broad, particularly eastern spirituality went deep. He named his vehicle for a Guatemalan creation myth in which fourfold god creates humanity out of cornmeal dough (he also once said he found inspiration in imagining "how the young King David played his harp"). His mystic impulse, however, seems to inform this latest set of rarities only partially.
Disc One, Piano Recordings, brings together rare and unreleased solo performances. It begins like a more brow-furrowed relative of Eno's Music For Airports, with coolly shimmering, unadorned themes of exploratory intrigue. There's a sense that thee are preparatory sketches, with The Heart echoing the coda of Brüder Des Schattens - Söhne Des Lichts from Fricke's score for Herzog's 1979 film Nosferatu The Vampyre. It makes for intimate listening: on Earth View and the third part of Spirit Of Peace, you can hear Fricke breathing and humming with distracted concentration as he follows the songs to their conclusions. Also puncturing the glacial calm, Garden Of Pythagoras finds him giving it some welly (transcendentally speaking) on a discord-skirting builder that ultimately finds salvation, with a taste of Beethoven's Ode To Joy. It's a welcome illumination of an unfamiliar side of Fricke's work and its lack of the explicit religiosity found elsewhere in his work is refreshing.
This is not the case on the second element of this package, which is the soundtrack and DVD of Kailash: Pilgrimage To The Throne Of Gods Fricke's film about his "spiritual voyage" to a twenty-two-thousand-foot sacred mountain in Tibet, known by Buddhists as the navel of the universe. The shift from Disc One to Two is not altogether comfortable. The Garden Morya and Nomads Move may have been written with the most elevated intentions, but their collaging of melismatic sampled voices and synth washes take us to somewhere approaching new age territory: on a purely aural level, mountain fastnesses are better evoked on later songs, ascending on the synth/choral Valley Of The Gods and the grand vista of Transhimalaya.
It is, though, better to hear the whole within the accompanying film, a wordless, often visually stunning portrait that includes scenes of hard lives, religious observance and the remarkable, desolate landscape of Tibet. Fricke, who died after a stroke in 2001, always said he wanted to create magic; here, numerous moments deserve that description.

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Popol Vuh - In den Gärten Pharaos

Bron: POP, 1972, 4
Auteur:

Popol Vuh - In den Gärten Pharaos

Popol Vuh bewegt sich mit Orgel, Piano, Schlaginstrumenten und Synthesizer-Elektronik im Klangbereich von sieben Milliarden verschiedenen Schwingungen. Florian Fricke (Moog-Synthesizer, Orgel, Piano,), Holger Trülzsch (Schlagzeug, Perkussion) und Frank Fiedler reproduzieren keine bekannte Tonklischees – versuchen vielmehr, ganz nach ihren Empfindungen in eine nie gehörte, mystisch Klanwelt vorzudringen. Popol Vuh benutzt die schier unendlichen Variationsmöglichkeiten der Moog-Maschine, um neue Klänge zu finden, die man bisher nur ahnen konnte. Unbewusste Gefühle werden hörbar…

Nach ihrem ersten Album ‚Affenstunde‘ mit den gurgelnden, fliessenden Lauten einer Unterwasserwelt scheint auf der neuen Langspielplatte ‚In den Gärten Pharaos’ der Hauch von Jahrtausenden eingefangen. Gedehnte delphische Tonkombinationen werden durchpulst von fernöstlichen Trommelklängen. ‚Vuh‘, magischer Göttername de versunkenen Inkakultur, verlieh der zweiten Plattenseite den Titel. In einer alten Kirche live aufgenommen: lange, getragene Orgelschwingungen, silbriger Klang der Becken und ätherisch-leichte Stimmen wie schwebende Tonschleier…

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Neue Formation und neue LP Veröffentlichung

Bron: Pop, nr.17, 1973
Auteur:

Neue Formation und neue Lp Veröffentlichung

 

Im frühjahr 1969 entwickelte sich die Gruppe Gila aus Stuttgarter Polit-Kommune. Die Erfahrungen von Conny Veit (Gitarre, Perkussionsinstrumente), Fritz Scheyhing (Orgel, Mellotron), Walter Wiederkehr (Bass) und Daniel Alluno (Schlagzeug) von anfänglicher Aggression bis hin zu endgültiger Kommunikation war die Entstehungsgeschichte ihres Anfang 1972 erschienenen ersten Albums ‚Gila‘.

Zum Zeitpunkt der Plattenveröffentlichung hatte sich Conny Veit jedoch bereits von Fritz, Walter und Daniel getrennt und war nach München umgesiedelt, wo er heute mit Sabina Merbach zusammenlebt, die als Sängerin gleichzeitig  mit ihm den Kern der neuen Gila-Formation bildet.

Gemeinsam mit Popol Vuh Vater Florian Fricke (Piano, Mellotron, Synthesizer) und Amon Düül-Mitglied Daniel Fichelscher (Bass, Schlagzeug, Perkussionsinstrumente) entstand Anfang dieses Jahres das Zweite Gila-Album „Bury my Heart at Wounded Knee‘.

Conny: „Es ist nun genau ein Jahr vergangen, seit mir ein Freund das Buch ‚Bury my Heart at Wounded Knee’ empfahl – einen Band über die Geschichte und Lebensweise der Indianer.

Ich war sehr erschüttert die grausame Offenheit dieses Buches und wurde immer wieder tief beeindruckt von den reichhaltigen Selbstzeugnissen der Indianer. Reden und Mahnungen einiger Häuptlinge gaben mir ein genaues Bild von dem, was sich vor nicht mehr als hundert Jahren ereignet hat. Die ‚Weissen’ haben mit unbeschreiblicher Arroganz ihre Kultur in einem fremden Land behauptet. Das Bild vom wilden, unzivilisierter Indianer hat nie der Wahrheit entsprochen. Ich bin sogar der Meinung, dass die indianische Kultur auf höherem Niveau stand als die der Europäer, weil sie ihren ethischen Ansprüchen in der Praxis mehr gerecht wurde. Nie würde ein Indianer in den Lauf der Natur eingreifen, ohne die Bedeutung und Auswirkung seines Tuns schon im voraus zu erkennen. Deshalb haben die Indianer schon sehr früh gewusst, wo die Schwächen unserer Zivilisation zu suchen sind: in der Psyche jedes Einzelnen von uns. Ich nehme für mich in Anspruch  zu sagen, ich fühle mich nicht wie ein Europäer – eher wie ein Indianer. Das ist im grossen und ganzen meine Motivation dafür, sass unsere Platte den Titel ‚Bury my Heart at wounded Knee‘ trägt, und dass ich dafür indianische Texte verwendet habe„. Conny Veit ist jedoch weit davon entfernt, sich nun eine Indianenfeder ins Haar zu stecken und gegen die ‚Weissen‘ auf den Kriegspfad zu gehen. Er hat es auch weitgehend vermieden Indianermusik zu kopieren.

Conny: „Erstens wäre er misslungen, und zweitens wollte ich meinen Texten ein persönliches gefühl geben. Der Text gewinnt für mich mehr und mehr an bedeutung, weshalb meine Stücke auch immer liedhafteren Charakter bekommen. Die instrumentalen Elemente sollen ‚öffnen‘ und den Weg zum Text bereiten.

Jede Musik versucht im Menschen einen bestimmten Gefühlsbereich anzusprechen. Es gibt Bereiche, die leicht anzusprechen sind, und andere bei denen er schwieriger ist. Popmusik wendet sich grössenteils an den einfacher zu aktivierenden sexuellen, animalischen Bereich. Die geistige Dimension wird druch diese Musik nur selten berührt.

Ich versuche, eine Musik zu machen, die ebenso die psychsche wie die physische Sphäre im Menschen berührt.“

Eine tief empfindsame Musik mit inhaltsschwerem gesungenen Ausdruck.

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Die Macht des Moog

Bron: Pop, nr.5, 1971
Auteur:

Die Macht des Moog

Popol Vuh macht Musik. Deshalb ist Popol Vuh keine Musikgruppe, sondern eine Gruppe von Menschen, die zusammenleben und die meiste Zeit damit verbringen, Musik zu machen. Musik wird gemacht mit einem Moog-Synthesizer – mit dieser gigantischen elektronischen Musikmaschine, mit der sich an die sieben Milliarden verschiedene Klänge erzeugen lassen.

Florian Fricke, Frank Fiedler und Holger Trülzsch leben in einem alten Pfarhof in Peterskirchen bei Wasserburg. Eine Menge guter Leute ist immer da – und sie machen in der Mitte des Hofs Musik. Mit der Zeit entsteht ein Klangraum wie in einem Ei auf den Bildern van Hyronimus Bosch. Der Synthesizer ermöglicht es, jeden nur gedachten Klang zu verwirklichen – und in jedem Klang manifestiert sich ein anderes menschliches Gefühl. Ein gepresster Klang vermittelt, gepresste Gefühle und ein offener Entspannung. Popol Vuh ist beispielsweise in der Lage, Rhythmus an der Maschine zu entwickeln die der Fallangst entsprechen. Die Musik, die man mit dem Moog machen kann, umfasst also die Empfindungsmöglichkeiten des Menschen schlechthin.

Als Reproduktionsgerät bekannter Töne ist der Synthesizer für Popol Vuh völlig uninteressant, Popol Vuh wollen mit dem Moog vielmehr Klänge erzeugen, die sie noch nie gehört, immer nur geahnt haben. Florian, Frank und Holger machen so den elektrischen Ton zur Nachbildung einer umfassenden Erfahrung – es wird ein neues Lebensgefühl vermittelt, in dem mit der Musik durch Rückerinnerung Unbewusstes bewusst gemacht wird.

Die beiden ‚Dauerstücke’ der ersten LP van Popol Vuh ‚Affenstunde’ zeigten, wie sich das anhört: Vogelzwitschern, lang anhaltende, leicht vibrierende Klänge, teilweise unterlegt mit Flötenpassagen oder Bongos. Wer sich das nicht sehr gut anhört, wird sich mit Sicherheit nicht angesprochen fühlen. Wer aber mit dem Wunsch zu erfahren in die Musik eintritt – sich anvertraut, wird die Musik als seine eigenen Gefühle erkennen. Denn so, meint Popol Vuh: ‚Wenn du Angst vor deinen Gefühlen hast, dann wirst du auch bei der Musik Angst haben. Wenn du Freude hast an dem, was in der ist, dann wirst du dich finden in unserer Musik – dann ist dir, als würdest du dich träumen‘.

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